DJミキサー:進化の歴史

2019年にRed Bull Music Academyが終了しました。

それに伴いRed Bull Music Academy Japanの活動も終了し、掲載されていた興味深い多くの記事が削除されてしまいました。

幸いにも英文でのアーカイブが残っておりましたので、今回はその中から「DJミキサー:進化の歴史」の記事を一部ご紹介します。

目次

DJミキサー:進化の歴史

2019年6月5日
by Greg Scarth

BozaksやUREIからDJバトル用のミキサーを経て、現在の業界標準やブティックオプションに至るまで、オーディオ信号をブレンドするというシンプルな作業には、多くの時間が研究、カスタマイズに費やされてきました。

ミキサーとは、最もシンプルに言えば、そこに入力される音を最大限に引き出すためのものです。最初のモデルは信号を混ぜ合わせるだけのものでした。それは現在のモデルにも当てはまります。しかし、精神的な重要性がDJに浸透してきたことにより、ミキサーを操作することで音の完成度を高めることができるという考えが広まりました。


小さなディテールが、モデルの良し悪しを左右し、一歩間違えれば会社全体を左右することもあります。フィルターの音やクロスフェーダーの設置位置など細部にまでこだわるミキサー技術の進化は、新しい技術の歴史的発展、新しい音楽ジャンルの出現、オーディオ処理技術の発展と共にあります。


ブルックリンの “ゴーゴーボーイ “ことFrancis Grasso(フランシス・グラッソ)は、現在ではミキシングとして理解されている行為を初めて成功させたDJとして広く知られています。2枚のレコードを交互に再生することでレコードを拡張し、やがて、Rek-O-KutやThorensのターンテーブルでそれらのレコード間を行き来し再生するようになりました。

1960年代にアンダーグラウンドのダンスクラブ<Salvation II>、<The Haven>、<The Sanctuary>でDJとして活躍していた彼の最初の実験では、予め次の曲を聴かずに曲を並べていくという方法しかありませんでした。


70年代初頭、彼はこの場当たり的なアプローチに嫌気がさし、クラブのシステムから出力される音に影響を与えることなく、別のキューミックスをヘッドフォンで聴くことができるカスタムメイドのステレオミキサーを使い始めました。サウンドシステムデザイナーのAlex Rosner(アレックス・ロズナー)は、ヘッドフォンアンプの回路をつなぎ合わせてキューイング機能を持たせたほか、テープデッキと2台のターンテーブルのレベルコントロール、マイクのオンオフスイッチなどを備えた原始的なミキサーを製作しました。

オーディオピュアリストたちはDJミキサーの使用を避けるかもしれませんが、最近ではDJがミキサーを使って音楽をプレイするのは当たり前のことだと考えられています。

David Mancuso(デビッド・マンキューソ)は別の考えを持っていましたが(※デビッド・マンキューソはDJミキサーを通さない方がより良い音になると考えていた)、Walter Gibbons(ウォルター・ギボンズ)、Nicky Siano(ニッキー・シアーノ) 、Larry Levan(ラリー・レヴァン)といったニューヨークのディスコDJたちの間では次から次へとレコードを流すことはダンスフロアの常識になっていました。アレックス・ロズナー自身も、同僚のRudy Bozak(ルディ・ボザック)にモノラルのPA用ミキサーをステレオのDJミキサーに改造するように勧め、市販のDJミキサーの開発に貢献しました。


ロズナーの元部下で、後に<Paradise Garage>のサウンドシステムを設計したRichard Long(リチャード・ロング)は、音の柔軟性を最大限に高めるために、ミキサーからエコーボックスなどの外部機器に信号を送ったり戻したり出来るよう、センドとリターンを追加するようボザックに提案しました。その後、数回の設計変更を経て、Bozak CMA-10-2DLミキサーは70年代の業界標準となりました。6つのステレオチャンネル(フォノ2系統、ラインレベルAUX入力2系統、マイク入力2系統)に、それぞれ専用のバランスコントロールが付いていました。キューイングはフォノとライン4つの入力で切り替えることができ、サミングされた音はマスターレベルとステレオチャンネル用の独立した2バンドEQに送られました。


Bozakが80年代初頭に生産中止になった直後、ハリウッドに本拠を置くUREI社は1983年にUREI1620ミキサーを発表しました。このミキサーはBozakの回路をベースにしていますが、Bozakが採用していたディスクリート部品ではなく、集積回路(IC)を採用しています。UREI1620は、Bozakの後を受け継ぐ形でハウスDJのデファクトスタンダードとなりました。

オーディオマニアの間では、理想的なアンプとは「a straight wire with gain(※入力信号のサウンドやトーンバランスを一切変えない非常にクリーンなアンプであることを表現する言葉)」であり、音に色をつけたり、歪ませたり、その他の影響を与えずに、音を増幅することであると言われています。DJミキサーも同様に、ターンテーブルとCDJからの信号をブレンドし、音を変化させないことが基本です。しかし、多くの電子機器エンジニアや音響技術者は、様々な理由から「a straight wire with gain」が実際には実現できないことを認めています。さらに重要なことは、それが必ずしも望ましいことではないということです。


Laurin Schaffhausenは、ミュンヘンのBlitzの設計を担当したオーディオエンジニアであり、クラシックなクラブサウンドシステムの情熱的な歴史家でもあります。オリジナルのBozakとUREIミキサーを、現代の主要な代替機器と一緒にテストした結果、古典的なDJミキサーは信号を大幅に着色すると指摘しています。これは本質的に悪いことではありません。「色付けのない完全にフラットな信号は、生命感のない音になってしまいます」と説明します。「ARS 4100やRodec MXシリーズのようにごくわずかなものもあれば、Super Stereo DN78のようにバルブベースのミキサーのように大量のものもあります。オリジナルのBozakやUREIは、現代のミキサーに比べて音に色がつきません。Bozak CMA-10-2DLと現代のBozak AR-6では、音の印象ががらりと変わります。個人的な話になりますが、UREIの色付けは、私のダンスミュージックの趣味に最も合っています。オリジナルのUREI 1620とフラットな音のミキサーを直接比較すると、UREIは『音楽の音量を上げろ!ダンスフロアはどこだ?飲み物を出してくれ!』という気分にさせてくれます。音楽に込められた感情を後押ししてくれるので踊りたくなるんです。」


1980年代に入ると、DJミキサーの主流は変化していきました。それは、ヒップホップとそれに関連するミキシング技術の出現によるものでした。Kool Herc(クール・ハーク)やGrandmaster Flash(グランドマスター・フラッシュ)をはじめとする初期のヒップホップDJたちは、ダンサーのためにブレイクビーツを延ばすため、同じレコードを2枚使って、素早く均等に、スムーズにカットする能力を求めていました。その解決策として登場したのがクロスフェーダーであり、フラッシュ自身の発明とされることもありますが、これは神話のようなもので、見事に否定されています。


市販のコンソールでクロスフェーダーを搭載したのは、1977年にイギリスで発売されたCitronic SMP101が最初です。同年末に発売されたGLI PMX 7000は、同様のコンセプトでアメリカ市場に進出しました。PMX 7000は、各入力チャンネルのレベルをコントロールするために垂直方向のストレートフェーダーを採用し、さらに2つのフォノチャンネルをシームレスにブレンドするために水平方向のクロスフェーダーを採用しました。チャンネルごとのEQではなく、マスター出力に3バンドのEQを搭載しているだけでしたが、PMXのレイアウトを踏襲した現代のストレートフェーダーミキサーとの共通点を見出すのは難しいことではありません。

80年代初頭には、ヒップホップDJミキサーの原型がすでに明確に定義されていました。ヒップホップDJの特徴であるカッティング、スクラッチ、チョップを可能にするために、耐久性とクロスフェーダー周りのスペースを重視した2チャンネルのみの非常にベーシックな機能のミキサーです。このレイアウトの標準化は、スクラッチDJが好んで使用した「バトル」ミキサーに見ることができます。80年代前半のDMC PMX-2、80年代後半のTechnics SH-DJ1200、90年代後半のVestax PMC-05やPMC-07など、どれも驚くほど似通ったレイアウトと機能を持っています。ヒップホップのDJプレイは、デジタルヴァイナルシステムの登場により、ターンテーブリストがヴァイナルの制限から解放され、かつヴァイナルを使ったときの感触や筋肉の記憶を保持できるようになったことで、さらに変化していった。


Rane Seventy-Two、Pioneer DJM-S9、Reloop Eliteなどのトップバトルミキサーは、従来のミキサーにDVSコントローラーやオーディオインターフェースの機能を加えたものです。Thud Rumble The Invader(Qbert、Yogafrog、Hard Rich、Jesse Deanの共同開発で、上陸時期は2019年夏)は、タッチスクリーン、タッチセンサーパッド、ロータリーコントローラー、従来のフェーダーやクロスフェーダーに加えて、コンピューターをミキサー本体に統合し、TraktorやSeratoなどのソフトウェアをミキサー内で動作させるところまで踏み込んでいます。


しかし、80年代以降、ストレートフェーダーのミキサーが主流になったにもかかわらず、ハウスやディスコの熱狂的なファンの中には、21世紀になっても、BozakやUREIのヴィンテージミキサーやVestaxやRaneなどのロータリー式の新機種を使い続ける人も少なくありませんでした。2003年、パリのハウス&テクノDJ、DJ Deepは、エレクトロニクスエンジニアのJerôme Barbéに、彼のUREI 1620の修理を依頼しました。その過程で2人は、UREIにインスパイアされた新しいミキサーをデザインするというアイデアを思いつきました。DJ Deepの友人や同僚もデザインに協力してくれました。Kerri Chandlerは、ツアーに持っていけるようにポータブルなユニットにすることを提案し、Joe Claussellは、劇的なフィルタリング効果のためにアイソレーターを要求しました。その結果、最小限の機能しか持たないコンパクトなハンドメイドミキサー、E&S DJR400が誕生しました。Jerôme Barbéと彼のアシスタントであるDominiqueは、今日までDJR400を手作業でハンダ付けし続けており、E&Sのパリのワークショップで週に2台程度を製作しています。DJR400は、Can ElectricやCondesaなどのメーカーが類似製品を生み出すきっかけや、ハウス系のDJがロータリーミキサーのコンセプトを好むトレンドを作りました。

ロータリーミキサーはストレートフェーダーのミキサーに比べて、本質的に「良い音」がするというのが、これまでの経験から得られた最も一般的な誤解の1つです。実際には、フロントパネルのツマミの裏にある電子部品、ポテンショメータの仕様の違いを除けば、操作方法はサウンドそのものにはほとんど関係ありません。
ロータリーミキサーがストレートフェーダーモデルよりも音が良いとされる唯一の理由は、内部の電子機器が何よりも音質を重視して設計されていることにあります。他のタイプのミキサーが機能やエフェクト、汎用性を優先しているのに対し、これらのブティック・ミキサーは、派手なエフェクトやデジタル機能を追加するのではなく、最高品質の信号経路に注意(とお金)を払って、意図的にミニマルで厳密なアナログを実現しています。


音のことはさておき、ロータリーファンは、人間工学的なアプローチが違いをもたらすという説得力のある主張をしています。ノブをスムーズにひねることは、ストレートフェーダーで同じことをするよりもはるかに簡単だと彼らは主張しています。このことは、ヒップホップのDJプレイのような速いチョップやカットではなく、長く緩やかなブレンドを行うことを可能にします。また、手の動きによって信号のゲインが変化する様子も、直線的に押したり引いたりするのとは異なる感覚です。ロータリーでもストレートフェーダーでも、一般的なミキサーのゲイン調整は、人間の耳が音量を認識する際のノンリニアな特性に合わせて対数ポテンショメーターを使用していますが、ロータリーのファンは、ひねる動作によってレベルを正確に設定しやすくなり、ストレートフェーダーにはない正確性が得られると考えています。

Laurin Schaffhausenはミキサーの基本的な目的について次のように述べています。「ロータリーミキサーというと、誰もが音や触感について語りますが、混ざり具合について語る人はほとんどいません。しかし、2つ以上のソースをサミングする、それこそがミキサーの役割なのです。サミングステージがどのように機能するかによって、ミキサーのフィーリングやサウンドが大きく変わります。」最近の “ブティック “DJミキサーはどれも優れていると強調しています。「誰もが “ベスト “を求めています。しかし、私のベストはあなたのベストとは全く違うものになるでしょう。」偶然にも、彼のベストはMasterSounds Radius 2です。「超小型で、ライブに持っていくのも、セットアップするのも、狭い場所でもとても簡単です。重厚な色付けがありますが、とても味わい深いものです。通常、私はチャンネルにEQを使わないのですが、私はフィルターが好きなので、このフィルターは超現実的です。ベースをカットすると、まるで過去にタイムスリップして、スタジオの人に低音を全部ミュートしてくれと言っているようです。クレイジーだよ!」

Mastersounds Radius 2


Radiusは、DJ兼エンジニアのRyan Shawが設立したMastersounds社の小規模な製品群の一つです。Radiusミキサーの開発は、Ryan ShawがAllen & HeathのXone:V6ロータリーミキサーを長い間探していた時に偶然起こりました。最終的に1台のミキサーを見つけ出し、その販売者に電話をしたところ、その販売者がオリジナルミキサーの設計者である元Allen & HeathエンジニアのAndy Rigby-Jonesであることが判明しました。


「私たちは関係を深め、Radius 2を製作することにしました」とRyan Shawは説明します。「アンディも私も自分の会社を経営しているので、会計士に制約されることはありません。私たちの製品は、音とシンプルさという難解な原則を念頭に置いて設計されています。Radius 2の設計コンセプトは、(多くの)モデルとは逆のアプローチでした。3バンドEQを自然なサウンドのハイパスフィルターに置き換え、チャンネルごとのEQの使用せず、ミックス内で周波数を加減するための音楽的なマスターEQ/アイソレーターを提供するなど、超シンプルな機能を設計しました。」


技術的な面では、マーケットリーダーであるAllen & HeathとPioneerの現在のフラッグシップミキサーは、BozakやUREI、あるいは最新のブティック型ロータリーミキサーとは、まったく別の世界から来たもののように感じられます。両ブランドとも、アナログとデジタルの機能を異なる方法で組み合わせていますが、設計上の理由は大体同じです。これらのオールラウンダーは、様々なDJがプレイするクラブに設置されることを想定し、多様なアプローチを反映して、様々なDJスタイルに対応する最も汎用性の高い選択肢を提供するように設計されています。

Allen & Heath Xone:96

Allen & Heath社のDavid Morbeyは、同社のXoneシリーズのシニアプロダクトマネージャーを務めています。A&H社は、1999年に最初のDJミキサー「Xone:62」を製造するまで、約30年にわたってハイエンドのスタジオ/ライブサウンドミキシングデスクを製造してきました。

「A&H社は、1999年に初めてDJミキサーを製造するまで、約30年にわたってハイエンドのスタジオ/ライブサウンドミキシングデスクを製造してきました。同社にはミキサー専門の設計チームはありませんが、デジタル、アナログ、メカニカル、ソフトウェア開発などさまざまな部門のメンバーが柔軟に対応し、Xoneシリーズを含むすべての製品に貢献しています。フランシス・グラッソが初期に行った音楽的セグメンテーションの実験が、最初のDJミキサーの誕生に影響を与えたとすれば、近年では極端な話、DJがデザインプロセスに参加し、メーカーに機能追加や新製品の開発を迫るケースが増えています。市販の音楽機器と同様に、A&HのDJミキサーも何年もかけて開発・テストを行い、世に送り出しています。「A&Hのデザインチームの多くはDJの経験者です。「最初のコンセプトは、社内のアイデアから生まれ、彼らの意見やエンドユーザーの意見を参考にしています」とMorbeyは説明します。
「この15年間でサウンドシステムが劇的に進化したことを意識して、Xone:96ではEQの形状とサウンドの改良に多くの時間を費やしました」と語る彼は、(ステレオ)フィールド全体から30人以上のDJの意見を取り入れました。ユーザーに愛され、業界のスタンダードとなった “Xone:92 “のキャラクターを失うことなく、最高のサウンドを提供したいと考えました。」


他にも、独自の路線を確立するために、メーカーと協力して個人使用のモデルを設計するDJもいます。Floating Pointsは、失くなったロンドンのクラブ<Plastic People>のために、Isonoe社と共同で特注のロータリーミキサーを開発しました。また、ロンドンのリスニングバー<Spiritland>に常設するためのカスタムミキサーも開発しました。Richie Hawtin(リッチー・ホーティン)の「PLAYdifferently MODEL 1」は、Andy Rigby-Jonesと共同で開発しました。リッチーの父親であるミックは、クリスマスプレゼントとして10チャンネルのカスタムモデルを作ってくれたそうです。

しかし、低価格モデルから一点もののデザインまで、ほぼすべてのベースがカバーされている今、どこにも余地がないのではないでしょうか?

Allen & HeathのXone:92は、RosieやDMC PMX-2よりも長い15年以上にわたって同社のフラッグシップモデルであり続けています。このことは、もうあまり改良の余地がないことを示唆しています。ミキサーデザインのピークは過ぎたのでしょうか?ある会社は、そうではないと声高に主張しています。レスターに拠点を置くTPI Sound社は、最先端のTotemサウンドシステムで知られています。このサウンドシステムは、Phonica Recordsが主催するロンドンのイベントや、様々なバーやクラブに出入りする人たちにはお馴染みのものです。ターンテーブルアイソレーター、アンプ、スタジオモニターなどの製品群に加えて、次世代のテクノロジーとも言えるDJミキサーが登場しました。その名も「Type.14」。TPIの創業者であるGiles Smithが「お金に糸目をつけない」選択肢と表現したもので、軍用の純正部品(コントロールパネルは、ユーロファイタージェットや原子力潜水艦のコックピットを製造するエンジニアが製造)や特注部品を使用して、どんなオーディオファンも満足できるものになっています。

TPI Type.14


Smithは、表向きにはオーディオマニア向けのDJミキサーがパッケージ販売されていることの魅力を理解していますが、その基盤となる電子機器は「cookie cutter(※ありきたりな)」デザインであり、「GCSE electronicsと大差ない」と指摘しています。つまり、シンプルな回路設計をして、ビンテージスタイルのVUメーターやミッドレンジのコンポーネントと一緒に素敵なケースに収めているのです。


Type.14は、経験的に可能な限り優れたものになるよう、ゼロから設計されていると彼は主張しています。Type.14は、経験的に可能な限り優れた性能を持つようにゼロから設計されています。「その測定された性能の数値は、世界で最も優れた実験室レベルやスタジオレベルの機器と同等です」と彼は説明します。そして、高額な注文価格は他の製品よりもはるかに優れた製品であることを反映しています。「ミキサーはとても個人的なものなので、(他の人のために)作るのは難しいですね。なので、最終的には自分の好きなものを作ったに過ぎません。」とSmithは認めます。


このことは、共通の真実を物語っています。どんなに時間をかけて研究し、何度微調整しても、音楽は主観的な性質を残します。ミキサーもまた、音楽を調和させ、彩り、そして最終的には音楽に貢献するために作られているのです。ある人は機能性を、ある人は音質を、ある人はダイヤルがきれいに回ることを重視します。ダンスフロアがどのように動くかという集合的な経験は、その回路を通じて送られ戻ってきます。

オリジナル記事は以下をご覧ください。(英文)

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